Días Nórdicos

Kaspar está formado por dos jóvenes talentos finlandeses, John Mcgregor y Mikael Hakkarainen, ambos expertos prematuros en el arte de la escritura de canciones —el trío se completa con el batería Tuomas Hakkarainen–. Su debut homónimo fue grabado entre Kingston y Nueva York bajo las órdenes del productor Malcolm Burn, quien ostenta un currículo envidiable: trabajó para el mismísimo Bob Dylan y para Patti Smith, entre muchos otros. Lo curioso es que Burns se entusiasmó tanto con la música del trío nórdico que terminó implicándose mucho más que lo esperado: además de producir, también mezcló el disco y tocó varios instrumentos. ¿Qué habrá sido aquello que conquistó el corazón del experimentado hombre de perillas? Probablemente hayan sido las fantásticas melodías que brotan de las canciones de Kaspar y que se elevan entre guitarras acústicas y armonías celestiales. John y Mikael, dos voces privilegiadas, parecen tan consustanciados en su faena que muchas veces es difícil adivinar quién es quién cuando cantan a dúo. No por nada muchos los comparan con Simon & Garfunkel, amos y señores de ese súb-genero del rock que es el himno de habitación a dos voces.
Pero más allá de lo estrictamente musical —cuentan que Burns aceptó el trabajo ni bien escuchó apenas dos canciones…—, el productor se vio seducido por la temática de las letras y por el propio nombre del grupo, todo inspirado en la leyenda de Kaspar Hause,
El «huérfano de Europa», aquel adolescente alemán del Siglo XIX de comportamiento salvaje y pasado misterioso —vivió en cautiverio y se desconoce su ascendencia— cuyo caso les viene quitando el sueño a generaciones enteras de historiadores. Como la historia de Hauser, la música de Kaspar también tiene su cuota de salvajismo, siempre en combinación con grandes canciones acústicas. Kaspa, el disco,vio la luz en 2009 y no pasó desapercibido: desde su publicación, el trío suele girar por Europa, muchas veces en compañía de grupos de primera línea como Wilco. Lo mejor, según muchos, está por venir. Y no hay razones para contradecirlo.

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Primer gesto de valentía y grandeza: Jonathan Johansson escribe sus letras en sueco, desafiando así toda ambición de internacionalización de su obra; al menos del modo más fácil, es decir cantando en inglés, que es a lo que recurren una gran mayoría de los artistas nórdicos que flotan en la estratosfera del caprichoso universo anglo. Para más datos, su forma de presentar sus melodías se basa en un fraseo ensoñador, muchas doblado por una voz en falsete que dota a sus canciones de un extraño color: dicen los que saben que esta manera de cantar es consecuencia del acento de su región natal, Scania, al sur de Suecia. Sin embargo, su facilidad para construir infalibles obras pop trasciende toda barrera lingüística. Después de vivir un tiempo en Malmö, Johansson se instaló en Estocolmo, donde grabó su álbum debut en 2005: OK, Ge Mig Timmarna (OK, Dame tiempo) se lució por sus melodías poderosas y por el excelente trabajo de las guitarras. Lo publicó bajo el nombre Jonathan Och Hjältar («Jonathan y los héroes») y la banda de acompañamiento se completaba con la destacada presencia de Emil Svanängen, de Loney Dear. Las críticas fueron muy favorables, lo que dio a Jonathan la fuerza suficiente como para seguir adelante y refinar su sonido. Después de algunas temporadas de distintas experimentaciones, finalmente se encerró en Uppsala, donde está el estudio del batería y productor Johan Eckeborn. Cuenta la leyenda que Johansson se internó rodeado de sintetizadores, con especial predilección por un viejo Yamaha DX7, esa gloria de los años ochenta que revolucionó a los sintetizadores de la época. Esta obsesión, sumada a su fanatismo por géneros como el viejo y querido «new romantic», es lo que predomina en En Hand I Himelen (Una mano en el cielo), el álbum que estrena su vínculo contractual con el sello Hybris Records, especialista en apoyar a artistas jóvenes con futuro, como claramente es el caso de Jonathan Johansson –en sus filas también militan otro emergentes como Juvelen, Montt Mardié y Vapnet–.

[ www.jonathanjohansson.se ]
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En Dinamarca, Murder es sinónimo de neo-folk con aspiraciones pop: a pesar de su mórbido nombre (Asesinato), tras esa cortina de horror se esconden los corazones palpitantes de dos de los talentos más recientes de la escena acústica de Copenhague: Jacob Bellens y Anders Mathiasen.
Después de un debut correcto, Murder sorprendió a propios y extraños con su segundo álbum, el fantástico Stockholm Syndrome (2006), donde ya aparecía, en todo su esplendor, su propia traducción del folk de los 70, actualizada en textos profundos, repletos de historias fantásticas, y coloreada por melodías melancólicas, intensas, penetrantes. La extraña voz de Bellens y su particular manera de abordar sus canciones le valió sendas comparaciones con popes del género como Nick Drake y Johnny Cash, nada menos. ¿La instrumentación? Clásica, elegante y efectiva: cello, contrabajo, trombón, banjo, marimba y glockenspiel, con apenas alguna que otra batería. Stockholm Síndrome fue inmediatamente adorado por la crítica especializada, que lo elevó a disco del año en 2006.

El éxito trajo consigo varias giras y la participación en muchos festivales de renombre como PopKomm, SXSW, Spot, Roskilde y Reeperbahn. En éste último el grupo conoció en 2008 a Stuart Staples, líder y cantante de Tindersticks, quien quedó tan embelesado con la música de Murder que terminó invitando a Jacob y a Anders a sumarse a la gira europea de su banda. Así fue que finalmente Murder acompañó a los ingleses durante todo 2008, abriendo sus conciertos. La conexión fue tan grande que el propio Staples declaró que se había hecho fan del dúo danés. «Los adoro. En apariencia sus melodías son simples, pero subliminalmente subyace, muy en el fondo, un misterio único y una profundidad maravillosa. Es algo realmente extraño. Y la voz de Jacob es definitivamente única».
En la actualidad, Murder se encuentra trabajando en el que será su esperadísimo tercer disco, Gospel Of Man, previsto para octubre.

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«Mi nombre es Pål Moddi Knutsen, tengo veintitrés años y vengo de una lejana isla situada al norte de Noruega llamada Senja. Tomé prestado un acordeón de mi madre, me robé una mandolina rusa y también tengo conmigo una guitarra acústica azul con dos trastes rotos. No necesito mucho más para hacer mi música, una música que está permanentemente sonando en mi cabeza y que intento descifrar con éxito relativo para intentar grabarla. Algunas veces lo consigo, otras no. Supongo que de eso se trata escribir canciones...». Así, en primera persona, se presenta uno de los talentos emergentes más celebrados y prometedores de la música nórdica actual, mejor conocido como Moddi.

Después de dejar el colegio y abandonar así las consiguientes primeras aventuras musicales, Moddi comenzó a escribir sus propias canciones. Las cosas comenzaron a tomar cuerpo cuando en 2006 grabó una maqueta con un amigo en un estudio casero. Si bien se publicaron apenas veinte copias, su música comenzó a sonar en algunas radios alternativas y logró colarse en algunos festivales. Dos años después de aquel experimento, en 2008 se presentó por primera vez en uno de los eventos más importantes de la escena de su país, el festival by:Larm. A partir de entonces, todo fue en ascenso. Primero publicó un split de 12’’, en vinilo, compartido con Einar Stray. El lanzamiento impuso una mudanza, y una vez instalado —con su propia banda— definitivamente en Oslo comenzó a delinear el que sería su debut en solitario. La producción estuvo a cargo del ya legendario Valgeir Sigurdsson (trabajó con Björk y con Múm, entre otros), quien ayudó a Moddi a ordenar las decenas de ideas que el cantautor venía macerando desde hacía cinco años. Finalmente, el iniciático Floriography vio la luz en febrero de este año para sorprender a todos con sus paisajes sonoros, generalmente matizados con aquel acordeón de su madre, pianos delicados, cuerdas volátiles y voces casi susurrantes pero llenas de emotividad. Un gran debut, sin duda, que augura una carrera brillante.

[ www.moddi.no ]
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No hace falta aclarar que José González no es en absoluto un típico nombre sueco: el origen de este cantante, compositor y eximio guitarrista de voz susurrante hay que buscarlo en Gotemburgo, en la costa Oeste de Suecia, ciudad en la que nació como hijo de padres argentinos, dos científicos exiliados en los oscuros años 70 sudamericanos. Veneer (2003), su primer álbum, se convirtió en un verdadero suceso apenas fue lanzado. Más allá de su indudable talento para escribir sus propias canciones, este debut fue propulsado a las masas gracias a la difusión que una publicidad de una marca de televisiones hizo de Heartbeats, el tema del dúo The Knife que el cantautor versionó e incluyó en el disco. Igual de impactante es su reinterpretación del clásico Love Will Tear Us Apart, de Joy Division –banda de la que es fan confeso–, aunque su capacidad para las versiones no debería opacar su talento como compositor. La mejor prueba es In Our Nature (2007), su segundo trabajo, un largo paisaje sonoro de sombras y luces folk en el que las canciones son susurradas con una intensidad pocas veces oída. González tiene, además, diversas actividades musicales que exceden a su carrera solista. Muchos de los tantos que en los últimos años se han fanatizado con su folk sombrío y relajante saben que en su pasado late, como un secreto a voces, la existencia de una banda intermitente cuyo nombre regresó a la escena este año: Junip. Sorpresivamente, el grupo reapareció para imponerse por primera vez en la agenda de sus integrantes y presentar un EP, el fantástico Rope & Summit, sucesor de otro EP, Black Refuge (2006). Y no sólo eso: el entusiasmo de los compañeros de González (Elias Araya a la batería, Tobias Winterkorn en los teclados) es tan grande que el proyecto ya giró y seguirá girando por Europa por el resto del año. En el medio, aquellos afortunados que se acerquen al exclusivo show en Casa de América de Madrid podrán presenciar uno de los pocos conciertos en solitario de un autor que sigue haciendo historia.

[ www.jose-gonzalez.com ]
[ www.myspace.com/josegonzalez ]

Mucho antes de que empiece a sonar en las radios el primer corte del álbum de debut de Eva & The Heartmaker, la mitad femenina y con nombre propio del dúo ya se había enfrentado a la cara más brutal de la industria musical. La enérgica voz Eva Weel Skram se escuchó por primera vez en la edición 2005 del programa «Pop Idol». Pero no fue hasta el encuentro en Oslo con quien hoy es su marido, Thomas Stenersen, que su camino artístico empezó a despejarse. La sociedad funcionó desde el primer momento: Eva ponía las canciones, Thomas la producción. Tras un largo proceso de prueba y error en el estudio, sacaron adelante un primer disco llamado Behind Golden Frames: gracias a la atención de la prensa con la que ya contaba Eva, pudo rotar en las radios y hasta se coló en la banda de sonido de alguna película. Pero la mezcla de estilos que dominaba a ese primer registro quedó sepultada por el sonido un tanto más homogéneo que consiguieron en directo con su formación ampliada de seis integrantes. Para la grabación de su segundo trabajo ya contaron con canciones compuestas por ambos, todas ornamentadas por una banda compacta que con una instrumentación clásica mezcla sus influencias de The Band, The Raconteurs, The Beatles y, por supuesto, The Cardigans —a Eva, dicen, ya no le preocupan las continuas comparaciones con Nina Persson. Con un adelanto de ese material sonando en la radio e Internet, el grupo tentó a los directivos de Sony  que les acompañan desde Let’s Keep This Up Forever. La consigna ahora es tocar y tocar, en cada escenario que sea posible. Lejos del aburguesamiento que les hubiera deparado la vida como dúo, los noruegos Eva & The Heartmaker llegan a España como una verdadera familia rodante.

[ www.sonymusic.no/evaheartmaker ]

Quien se esconde detrás del seudónimo Fallulah lleva, desde que tiene memoria, la música dentro de su cuerpo. Por herencia de sus padres —formaban parte de un grupo de danzas folclóricas— el baile fue parte esencial de su infancia y adolescencia, algo que la motivó, al cumplir los 21 años, a realizar un viaje para perfeccionarse en Nueva York. Pero una vez instalada en la Gran Manzana descubrió que no estaría en sus pies sino en su propia voz la llave para mostrar al mundo el cóctel de influencias bajo el cual había sido formada. Volvió a los suburbios de Copenhague dispuesta a convertirse en cantante y los caminos empezaron a abrirse de manera sorprendente. Bajo la atenta colaboración del productor Fridolin Nordsø, Fallulah dio con un tipo de canción que se acerca desde la rítmica y el compromiso con la palabra a propuestas como las de Bat For Lashes, M.I.A. y Regina Spektor. La variedad de colores de su voz y el desparpajo escénico que demostró en sus primeras actuaciones la convirtieron rápidamente en una revelación. Y con unas pocas grabaciones surcando la redes sociales, Fallulah empezó a llamar la atención de la industria mucho más allá de los países nórdicos. Aún antes de publicar su primer disco, su talento ya se medía con iconos femeninos como Fionna Apple o Suzane Vega. La salida al mundo de The Black Cat Neighbourhood no hizo más que confirmar todo lo que se esperaba de ella. Canciones como I Lay My Head, Only Human o Bridges revelan una enorme sensibilidad para la construcción de melodías. Y inteligencia asombrosa a la hora de combinar sonidos digitales con un modo de interpretación bien energético, profundamente humano, casi tribal.

[ www.fallulah.com ]

Su voz, absolutamente única, evoca a las de algunos nombres dorados como Jeff Buckley y Thom Yorke al mismo tiempo. Mads Langer es un artista nuevo, sí, pero que brilla con luz propia cuando canta sus canciones que son a la vez salvajes y elegantemente íntimas. Se sabe que las buenas canciones son contagiosas, una realidad que explica por qué determinados cantautores, sobre todo los que vuelcan una ardiente pasión en su quehacer, consiguen rápidamente hacerse de un público dispuesto a dejarse infectar con su música. Es, precisamente, lo que consiguió Mads: en los últimos meses logró reunir a un verdadero ejército de devotos en su tierra natal, Dinamarca, pero también en Londres –la ciudad en la que reside y que lo adoptó un tiempo atrás– y, curiosamente, en Italia, donde su single You’re Not Alone alcanzó el estatus de hit masivo. Por su parte, su sorprendente performance en «2010 Musexpo», en Los Ángeles, terminó de confirmar que todos y cada uno de los rumores que vienen circulando acerca de este artista multifacético y talentoso son definitivamente ciertos. De hecho, la televisión estadounidense acusó recibo al incluir la emoción y la fuerza que habita en su música en la serie Vampire Diaries: hasta el momento, se usaron tres de sus canciones en distintos capítulos. Está confirmado: tanto la creatividad y la originalidad de la música de Mads Langer como su cálida presencia en el escenario lo establecen como la gran revelación danesa. Una revelación que poco a poco está dejando de serlo para comenzar a escribir su historia entre los más grandes.

[ www.madslanger.dk ]

Es posible que a los estudiosos de la música nórdica su nombre les resulte familiar. Revisando la historia reciente de la música finlandesa, Magenta Skycode surge como el nombre del álbum debut de una banda de culto de los 90 llamada This Empty Flow, en cuyas filas militaba el hoy reconocido productor Jori Sjöroos (alias Fu-Tourist). Tomando el nombre de aquel disco clásico, en 2005 se formó esta singular banda de indie rock que va en busca de la épica de Pink Floyd, se enfrenta a la misma angustia que The Cure o Joy Division y encuentra en la actualidad a Arcade Fire como su mejor referente en los charts internacionales. Su primer álbum IIIII fue alabado por la crítica local gracias a la minuciosidad con que las capas de guitarras eléctricas y sintetizadores armonizaban con las voces del grupo. A pesar de su intensa actividad como productor y compositor de canciones para grupos pop como PMMP, Jori Sjöroos viene preparando hace años la grabación de un nuevo disco para Magenta Skycode. Para ello se instaló junto a sus compañeros de banda en una pintoresca casa de madera de 1800 en la pequeña ciudad de Turku, se asoció para las letras con un colaborador de larga data como Maurice Hawkesworth y no salió de allí hasta que el sonido de sus sueños se vio cristalizado en Relief. Los arreglos corales y las voces en falsete de esta reciente producción renuevan el gesto grandilocuente del grupo y ponen en escena una épica que a través de los años siempre ha sabido reinventarse dentro de la música de Finlandia.

[ www.magentaskycode.net ]

Rax Rinnekangas, cineasta, productor, fotógrafo y escritor, nació en 1954 en Rovaniemi, Finlandia, y desde entonces no ha dejado de ofrecer obras de arte manchadas por la emoción, la belleza y cierto poso de reflexión mística sobre la condición humana que le han dado un sello inconfundible y prestigio en los paises nórdicos y, por extensión, en Europa. Rinnekangas ha recorrido el mundo en una búsqueda incansable del alma del ser humano, desde una honda perspectiva ontológica, lo que también le ha llevado a ser un gran conocedor de las culturas rusa, nórdica e hispana. Su extensa biografía artística abarca documentales y filmes de Arte (The Colours Of The Holocausto y The Melnikov House), exposiciones fotográficas (Tabacalera, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Memorial and Museum of Sachsenhausen, Amos Anderson Art Museum) y una prolífica obra de ficción (novela, relatos cortos y poesía) y no ficción (periodismo). Sus películas documentales han sido proyectadas en sitios como Musée du Louvre o Barbican Art Gallery. Entre los galardones que ha recibido este autor espiritual y artísticamente hermanado con Tarkovski, se encuentran la Mención de Honor del Jurado del 25th FIFA Festival (Montreal, 2007), el Premio Nacional de Literatura y el Premio Nacional de Fotografía (Finlandia, 1992 y 1989). Rinnekangas visita regularmente España, en donde acaba de rodar su primer filme de ficción.

Nació en Aarhus en 1972 y posee estudios incompletos de música, teatro, escultura, literatura y filología árabe. Fue alumno de La Academia de Escritores de Copenhague, donde luego fue profesor. Ha colaborado con los periódicos Information y Politiken, y entre otras géneros periodísticos,  elaboraba un crucigrama semanal. Ha editado la revista literaria Den Blaa Port. Ha vivido en Dinamarca, Austria, Estados Unidos y Andalucía. Actualmente reside en Copenague.
Hasta el momento ha publicado Små historier (Pequeñas historias, 1996), Små historier 2 (Pequeñas historias 2, 2000), Brummstein (Brummstein, 2003, traducido al alemán, francés, italiano, holandés, sueco, noruego y castellano), Machine (Machine, 2006, traducido al inglés, alemán, noruego, serbio y castellano),  E million historier (Un millón de historias, 2007) y Katalognien. En versroman (Catalogia. Una novela en verso, 2009. Escrito junto a Ejler Nyhavn).

Nació en Sauda en 1944 y se dio a conocer en la década de los sesenta como poeta lírico; desde entonces, su obra literaria, que ronda los cuarenta títulos, ha tocado géneros y técnicas muy diversas. No obstante, él mismo reconoce: «Para mí, lo más importante son las novelas. He publicado diez». Entre ellas, la galardonada Dalen Portlan (1977), Det 7. klima (1986), Fimbul (1994), Kron og mynt (1998) y Paradis på jord (2003). Ha sido traducido al inglés, al alemán, al francés y al español (El cuchillo en la garganta, Lengua de Trapo 2005). Esta novela confirma el profundo interés de este escritor noruego por Latinoamérica, que anteriormente se ha materializado en traducciones y estudios sobre Pablo Neruda, Julio Cortázar, Jorge Luis Borges, Alejo Carpentier, Octavio Paz, Rafael Alberti, León Felipe y Francisco de Quevedo.

Patricio Pron (Argentina, 1975) es autor de los volúmenes de relatos Hombres infames (1999), El vuelo magnífico de la noche (2001) y El mundo sin las personas que lo afean y lo arruinan (2010) y de las novelas Formas de morir (1998), Nadadores muertos (2001), Una puta mierda (2007) y El comienzo de la primavera (Literatura Mondadori, 2008), ganadora del Premio Jaén de Novela y distinguida por la Fundación José Manuel Lara como una de las cinco mejores obras publicadas en España ese año. Su trabajo ha sido premiado en numerosas ocasiones, entre otros con el premio Juan Rulfo de Relato 2004, y antologado en Argentina, España, Alemania, Estados Unidos, Colombia y Cuba. Sus relatos han aparecido en publicaciones como The Paris Review y Zootrope (Estados Unidos), die horen (Alemania), Etiqueta Negra (Perú), Esquire (México) y Eñe (España). Recientemente la revista inglesa Granta lo ha escogido como uno de los veintidós mejores escritores jóvenes en español del momento. Pron es doctor en filología románica por la Universidad «Georg-August» de Göttingen (Alemania); en la actualidad vive en Madrid, donde trabaja como traductor y crítico.